«Animal de séquia». Sol Picó.
València se pone a bailar del 9 al 14 de abril. Son las fechas de la edición de este año de Dansa València. Los datos hablan por sí solos: 26 compañías, 29 funciones, 8 estrenos absolutos, 13 compañías valencianas, 13 nacionales, 9 espectáculos con música en vivo, 7 que se representan en la calle y un montón de actividades paralelas. Tenéis toda la programación aquí.
En Verlanga hemos querido acercarnos a la misma desde otro punto de vista, el de los verdaderos protagonistas del festival. Y para ello hemos pedido a las 26 compañías que cuenten en primera persona su propio montaje. 15 han podido contestar. ¡Se alza el telón!
La desnudez. Cía Daniel Abreu. Miércoles, 10 de abril, 22h, Teatre Principal
✏️ Daniel Abreu (dirección, coreografía, espacio e interpretación):
La desnudez narra de forma poética los conflictos de una pareja en la creación de un vínculo. Está llena de imágenes que juegan con el equilibrio físico como metáfora en las relaciones. En el proceso de creación trabajé con la insistencia en la acción y es ahí donde aparecían muchos símbolos. Lo más interesante del proceso era resolver todas estas imágenes con un final que recogiera toda la historia. Y es que toda discusión que se precie acaba en un beso.
Coreografías de la mirada. FormaPoveraCía. Jueves, 11 de abril, 11h, Centre del Carme
✏️ Bárbara Díaz y Eneko Lorente:
Tránsitos/Trànsits es un working progress del proyecto Coreografías de la mirada, a través del cual se trata de investigar las relaciones entre el cine y la danza, tomando como referencia una serie de piezas fílmicas dirigidas por coreógrafas que han sido determinantes para el desarrollo de la danza moderna y contemporánea.
Tránsitos/Trànsits plantea un recorrido por el proceso creativo de El lamento de la Emperatriz, un film realizado por Pina Bausch en 1989, en el que la autora pone en escena su singular repertorio coreográfico: personajes desubicados al límite del desfallecimiento, presencias espectrales que transitan los umbrales de la visibilidad, espacios de encuentro con las inquietantes presencias del Otro, cuerpos resilientes que muestran las huellas ocultas del trabajo de la danza tras los síntomas de los malestares cotidianos.
El lamento de la Emperatriz activa en el espectador la memoria compartida haciendo ver lo que preferiríamos no ver, señalando aquello que nos observa, como una imagen especular, desde el fondo de lo que miramos.
That moment when. Proyecto Clara Barberá. Jueves, 11 de abril, 13h, Pl. del Patriarca
✏️ Clara Barberá (dirección artística y coreografía):
That Moment When surgió de una necesidad personal de explorar una sensación en la que me siento un poco atrapada. Empecé el proceso creativo (tanto coreográfico como a nivel musical) con la esperanza de entender una forma de salir adelante… Poner en común mis inquietudes con otros bailarines y músicos locales, nacionales e internacionales, me pareció que sería un proceso interesante (para observar si realmente es una sensación compartida independientemente de nuestro contexto) que además me permitiría volver a explorar una parte de mi identidad (la de bailarina / coreógrafa / directora artística) que tenía un poco apartada.
Siento que cada vez vivimos en comunidades más polarizadas, que nos encontramos defendiendo ideas que son versiones, quizás extremas, de lo que realmente sentimos porque nos vemos atacados en lo más profundo de nuestra humanidad. Viviendo así, sin aparente empatía por el otro, defendiendo posiciones de manera visceral y sin capacidad de llegar a un entendimiento básico que simplemente nos permita disfrutar del hecho de estar vivos, dejamos de pensar como nosotros mismos y nos vemos arrastrados por narrativas que simplifican nuestra existencia individual. Así, nuestras relaciones más íntimas, incluso las que tenemos con nosotros mismos, se resienten, a veces hasta el punto en el que ya no hay marcha atrás… Esto, a veces, pasa en un momento, en una conversación, en un gesto, y es a ese momento al que me refiero con el título. De las cosas que más ilusión me hacen de esta oportunidad, es poder presentar esta idea en formato danza, con música compuesta e interpretada exclusivamente para este momento y en el contexto de una plaza pública: donde realmente interactuámos con el otro, donde se dan este tipo de situaciones.
#Outfit. Mou Dansa. Jueves, 11 de abril, 20h, Espai Inestable
✏️ Jéssica Martí (dirección artística y coreografía):
El concepto de outfit se ha colado ya en nuestro ADN ¿De dónde procede esa hambre insaciable por consumir ropa? Nuestra problemática relación con ella no acaba en la adolescencia. Las etiquetas solo nos informan de dónde se tejió, tintó y cosió cada pieza, pero no de qué manera, quiénes y en qué condiciones. No pretendemos dar una lección de moralidad a nadie, solo hemos tratado de ponernos en la piel de aquellos que se la dejan para cubrir las nuestras. Y todas esas pieles las hemos hecho bailar porque no teníamos palabras suficientes para expresar nuestras contradicciones.
Kybalion. EBC Danza. Viernes, 12 de abril, 13h, Pl. del Patriarca
✏️ Eva Bertomeu (coreografía e interpretación):
Cuantas más veces interpreto Kybalion, más tengo la sensación de zambullirme en una relación de dependencia entre los sexos opuestos, en la que las ataduras creadas son las que sostienen la relación, algo más bien nocivo. Pero en el desarrollo de la coreografia la pareja va entendiendo que tiene que encontrar el equilibrio, la compensación entre el uno y el otro, los opuestos se atraen, vibran y entran en una fase de escucha y aprendizaje mutuo. Personalmente me da mucha energía y positivismo está pieza, y ha sido un placer y un lujo haberla creado e interpretado con Albert García Saurí.
Fucking Stage. Santiago Ribelles Zorita. Viernes, 12 de abril, 18h, Sala Matilde Salvador
✏️ Santiago Ribelles Zorita (autoría, parte de la coreografía y dirección escénica):
Dicen que la gente se aburre viendo danza contemporánea o gente hay que dice que se aburre, que no la entiende. Por otra parte hay explicaciones que los propios creadores escriben sobre sus propias creaciones que no parecen que tengan conexión con lo que hacen. Ser comprometidos políticamente, tener una línea estética, llevar de la mano al espectador a través de la dramaturgia (la nueva gran profesión de las artes escénicas), explicar las cosas que pasan, hacer que una pieza funcione para público y crítica, ser clásico, ser contemporáneo,… Fucking Stage interpela al público sobre los lugares comunes que encuentra en la escena y que tal vez encuentra en sí mismo cuando asiste a una pieza de danza, pero tal vez, la pieza, al cabo, sea solo una apuesta por la abstracción.
Crisálida (o la venganza de Leteo). Antes Collado. Viernes, 12 de abril, 20h, La Mutant
✏️ Joaquín Collado (Dirección, coreografía e interpretación):
Pienso que lo que se encontrará el público en este trabajo de Crisálida será un continuo devenir inevitable de formas y cuerpos que navegan entre lo reconocible y lo no reconocible, y que a pesar de su patética condición, lo agitarán desmesuradamente.
Likes. Núria Guiu. Viernes, 12 de abril y sábado, 13 de abril, 20h, Carme Teatre
✏️ Núria Guiu (dirección, coreografía, performer, diseño de luces y música):
Buscar formas de ser aceptado, de ser valorado …. es algo que hacemos todos y todas, y seguramente lo hemos hecho (los humanos) desde tiempos remotos. Me pregunto si es un instinto de supervivencia. En Likes yo tuve mis razones personales que me impulsaron de forma instintiva a buscar, entender, experimentar la idea de gustar. ¿A quién? Necesitaría muchas páginas para contar esta historia, pero estoy segura que lo privado, personal e invisible, transpira a través de mi piel cuando bailo. Aunque la pieza se se contextualiza o se formaliza bajo una investigación antropológica, mi interés de investigación no nace del academicismo sino que nace de un sitio personal, complejo, pequeño, frágil. En la pieza utilizo internet como medio de investigación, gustar pero, y quien dice gustar, dice encajar, desencajar, tener poder, ser nadie, serlo todo, amar, ser amado…, va mucho más allá de la digitalidad.
Extracto abierto. Marcos Flores. Sábado, 13 de abril, 13.30h, Pl. del Patriarca
✏️ Marcos Flores (coreógrafo e intérprete):
Extracto Abierto es la primera pieza que interpreto para espacios al aire libre. Mi principal objetivo era captar la atención de transeúntes para invitarlos a un paréntesis en esas rutinas diarias o en ese pulso continuo y ajetreado en el que la ciudad nos sume. El espectáculo está conformado por piezas, cada una de ellas con una poética distinta y extrema, que pretende producir en el público un ejercicio de inspiración a partir de la danza, la música y también del silencio. Una pieza con música de estilos muy distintos, pero interpretadas por un bailaor flamenco. El público vivirá un alto en el camino, para seguir adelante, pero siendo consciente que hay que alejarse de ese pulso que impera en las ciudades y nos conduce a veces al automatismo.
Play. Aracaladanza. Sábado, 13 de abril, 18h, Teatre Principal
✏️ Enrique Cabrera (coreógrafo y director):
Jugamos. Con Play, jugamos.
Sobre el escenario, 55 minutos gozando.
Y para ello, un año trabajando.
La de la imaginación nuestra ley,
la libertad ante todo.
Empezamos con algunas ideas. De los colores que queríamos utilizar. Del vestuario con el que íbamos a bailar. De la música que nos iba a guiar. Del espacio escénico en el íbamos a disfrutar. De la luz que nos iba a iluminar. De los videos que nos harían soñar.
Pensamos mucho qué juegos nos iban a inspirar.
Y entonces, empezamos a jugar. Con los colores, el vestuario, la música, el escenario, la luz y las video proyecciones. Todos tenían que bailar al ritmo de la coreografía.
Mientras, los bailarines jugaban y jugaban. En el estudio. Día tras día. Con tesón, disciplina e imaginación.
Y entonces, llegó la hora de recortar, ordenar, limpiar y presentar.
Sobre el escenario, un juego tras otro encadenado. Algunos conocidos por todos, otros descubiertos de nuevo.
Play es un juego de juegos con veloz ritmo aparentemente desenfrenado, queremos que deje a los espectadores “pegados”
Se juega a jugar y las reglas se conocen: no hay argumento. ¡Ni quien gane! ¡Ni quien pierda!
Y lo único que deseamos que cada cual, disfrute como quiera, vea lo que quiera, entienda lo que quiera, se emocione lo que quiera.
Hippos. Zum-Zum Teatre. Domingo, 14 de abril, 13h, Pl. del Patriarca
✏️ Albert García (actor / bailarín):
Hippos es un espectáculo de tres grandes hipopótamos azules que bailan. La idea de hacer bailar un hipopótamo ya es algo extraño… es un animal pesado, lento y no muy amistoso, al que no te acercarías por miedo a ser aplastado o atacado por su enorme boca. Pero nuestros hippos no se dejan vencer por estas etiquetas y salen a la calle a dejarse ver, sin miedo a ser juzgados, para hacer algo que les encanta, bailar. Olvidan su tamaño, hacen oídos sordos a quien les pueda llamar «gordos» y sacan toda su energía a ritmo de Daft Punk o expresan toda su sensibilidad con la música de Sufjan Stevens. Porque ser hippo es sentirse libre, ser ligero aún siendo enorme, bailar aunque no sea lo tuyo, quedarse quieto cuando todos saltan, ir al unísono con tus amigos o dar saltos sin sentido disfrutando del caos… Cada hippo tiene su experiencia personal, su recorrido artístico, y cada uno de nosotros vive la pieza a su manera. Yo no soy bailarín, siempre he hecho de actor, pero dentro de la piel del hippo, puedo ser lo que quiera, bailar como quiera, jugar con el público cuando quiera, correr sin parar, saltar, reclamar mi espacio… Podemos ser una persona dentro de un hippo, un hippo que se siente mono o una persona que quiere ser un mono bailando disfrazado de hippo.
Lo moderno está en tus zapatos. MoMeNTS ART DaNSa & TeaTRe. Domingo, 14 de abril, 13.30h, Pl. del Patriarca
✏️ Juanjo Rico (director de la compañía):
Moments Art es una compañía de danza integrada, formada por personas con y sin diversidad funcional, con formación y experiencia en el campo del arte y la creatividad a través de la danza contemporánea inclusiva. El espectáculo Lo moderno está en tus zapatos es un trabajo de investigación en proceso constante, donde la diferencia, lo distinto y lo diverso, es la conjunción de hacerlo único en su género.
✏️ Marta García Navarro (creadora y coreógrafa):
El publico va a ver un espectáculo de danza contemporánea en la calle, en el cual trabajamos la ruptura de lo socialmente establecido para llegar a la idea base de una igualdad y equidad real.
✏️ Noe Arcos (creadora y coreógrafa):
El proceso creativo en la pieza son cinco personas diferentes, cinco cuerpos y mentes diversas, pero todos en una, sin estar tan alejados de los desarrollos creativos, donde todos aportan en las distintas escenas que componen la pieza, y básicamente surge como exploración con el zapato, como simbología y encaje de la propia sociedad, a partir de ahí surgen las propuestas.
✏️ Mauricio Palomar (bailarín):
Diferentes formas, personas y cuerpos que expresan.
✏️ Inés Lledó (bailarina):
La danza me une al espectáculo en mi vida.
✏️ Hawer Ortíz (bailarín):
En lo moderno, intentamos dar una nueva visión del movimiento, fusionando la diferencia como vehiculo conductor.
Nina. Fil d’Arena dansa teatre. Domingo, 14 de abril, 18h, Carme Teatre
✏️ Fil d’Arena:
Nina es un espectáculo de danza teatro para toda la familia. Podréis ver la historia de una niña contada a través de la danza, donde la música tiene una importancia capital. Nina que vive en un mundo gris, ordenado y monótono, que no tiene nada que ver con cómo es ella, hará todo lo que se espera de ella y eso la irá transformando en un ser inanimado.
Es una creación de Fil d’Arena dansa teatre junto con La Teta Calva. Para nosotras ha sido muy importante esta alianza, nos han aportado todo su mundo imaginario y su oficio, al cual hemos unido a nuestra manera de contar las cosas, que es el cuerpo. Con Nina hablamos de la esencia de las personas, de la diferencia, de la capacidad que tenemos para cambiar el mundo si escuchamos como somos verdaderamente. Para nosotros Nina es un canto a la libertad de los niños y niñas.
Away. Irene Cortina. Domingo, 14 de abril, 18h, Espai Inestable
✏️ Irene Cortina (coreógrafa y bailarina):
El año pasado me di cuenta de que hacía diez años que me había ido de España, de los 18 a los 28, y desde entonces he estado pensando qué significa eso y qué repercusión ha tenido en mi vida y en mi personalidad. Tras un año de reflexiones, pensamientos y charlas con otras personas de mi entorno que viven una situación similar, nace la pieza Away.
Antes, o después, de ver la pieza, el espectador se encuentra con una pantalla en el hall del teatro, donde puede ver una recopilación de entrevistas que he estado haciendo en los últimos meses a diez personas de diferentes países que también viven en Berlín. Con este vídeo quiero compartir diferentes puntos de vista sobre el hecho de ser extranjero y ofrecerle al espectador una ventana al mundo que ha inspirado esta propuesta. Away es una pieza muy visual que trata de expresar desde el movimiento y la música en directo diferentes emociones y sensaciones que son difíciles de expresar en palabras.
Canvas of bodies. Taiat Dansa. Domingo, 14 de abril, 18h, Teatre Rialto
✏️ Meritxell Barberá (idea y dirección):
El proceso de creación de Canvas of Bodies ha sido una de las experiencias, en el ámbito de nuestra trayectoria coreográfica, más humana, honesta y desgarradoramente emocionante que hemos vivido Inma y yo desde los inicios de Taiat Dansa.
La pieza ha viajado por tres elencos diferentes de bailarines. En 2014 se estrena No Half Measures para celebrar el Día Internacional de los Museos en el museo MuVIM. Manuel Rodríguez, Ramón Vera, Inma García y yo, Meritxell Barberá, proponíamos al visitante del museo una pieza de danza más bien fría, una presentación de cuerpos como esculturas, como objetos de arte, diferentes retratos y relaciones entre nosotros para componer un autorretrato colectivo danzado en el espacio museístico. La pieza gira por todos los museos y centros de arte contemporáneo del territorio nacional y en algún museo de Europa y EEUU.
En 2016 proponemos y trasladamos este trabajo, que todavía sigue girando dentro y fuera de nuestras fronteras en teatros y festivales, a un nuevo elenco formado por Cristina Reolid, Jony López, Martxel Rodríguez y Diana Huertas, bailarines habituales de Taiat Dansa. La propuesta era trasladar esa reflexión del cuerpo en movimiento como objeto artístico, del laconismo danzado a su espacio habitual, la escena, sin perder la idea de bailar sobre un lienzo, como si la actitud de los bailarines recordara a los constantes retratos no efímeros a lo largo de la historia del arte. En 2018, con Canvas of Bodies, se multiplica esta exposición del autorretrato de cuerpos diferentes, de las relaciones entre cuerpo, arte y belleza gracias al elenco formado por Dan Daw, Saïd Gharbi, Cora Panizza, Laila White y Martxel Rodríguez. Ellos son los que realmente nos enseñan y nos muestran dónde está la belleza de la danza, la inmensidad de la condición humana en el arte de la danza y el cuestionamiento absoluto sobre la perfección y la imperfección en el arte.
